Gioco xverso

Uno dei pregi indiscutibili di 

The Magus di G. Green (1968)

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sono gli intermezzi very-soft-jazz, in stile "elevator music", che accompagnano alcune sequenze; una colonna sonora da possedere;

per il resto, il continuo rivelarsi dello strano "gioco" messo in atto dal Dott. Conchis, di memorie più o meno reali che lo spettatore conosce solo attraverso la realtà filmica del flashback (un flashback non è più o meno reale di tutto il resto), dapprima di origine psico-terapeutica, poi più apertamente ludica, e infine addirittura cinematografica

 è uno dei più interessanti che mi abbiano coinvolto ultimamente (negli ultimi decenni) quando so ormai per certo che tutto ciò che percepisco, anche nella forma "virtuale" del film, è parte di un percorso formativo che ha certamente un inizio --più o meno obbligatorio-- ma non una fine certa;

il film di Green partecipa di questo gioco con la sua dichiarata natura ludica, in quanto forma d'arte e/o intrattenimento, mantenendo però le costanti del thriller psicologico, ovvero riflettendo la natura dello spettatore all'interno dei suoi limiti mentali: 

Qui Michael Caine, insegnante di Inglese, lascia la patria e la minaccia di una unione troppo seria con una hostess per trasferirsi a Phraxos, immaginaria isoletta Greca (interpretata da Spetses che gli Italiani per qualche motivo chiamano Velvina); qui incontra il misterioso Dottor Conchis -Anthony Quinn- che gli offre il miglior Darjeeling 

e lo fa prigioniero di un gioco del tutto privo di regole -quello dell'autore- in cui la ricerca della verità lo conduce attraverso vari strati di bugie passate presenti e future, complici le memorie dei due protagonisti, e una giovane e promettente Candice Bergen

(L'espressione più conveniente per un baciamano)

dapprima creduta un fantasma, poi una squilibrata, poi una attrice --la parte che accettiamo per buona;

le cose si fanno indefinitamente più confuse con l'evoluzione del gioco, fino alla fatidica battuta: "What is truth?" domanda del vecchio "Tiburon" Quinn al giovane (anche lui) e sconcertato Caine; è quello che vogliamo, o possiamo, oppure dobbiamo credere... 

Il che vale anche e soprattutto per questo film, sceneggiato con bravura dallo stesso autore del romanzo da cui fu tratto, e interpretato come s'è visto dallo impeccabile, a tratti esilarante (per questo) Michael Caine e dal sempre radiante, oserei dire ruspante Anthony Quinn, nel ruolo del titolo -- riferito alla carta dei tarocchi, a cui pure si riferisce quella dell'impiccato 

("the Hang Man" dice il Magus "He stands for selfishness" -- ovvero, significa "egoismo");

è una carta che abbiamo vista ultimamente giocata nel mondo delle star di Hollywood in The Imaginarium of Dr. Parnassus (2009) dove l'impiccato era una vittima predestinata (Heath Ledger) dal Club... 

qui Michael Caine rischia il collo, ma è solo una delle tante possibilità offerte da quest'opera intelligente, intrigante, elegante  e ben condotta, che non rischiando mai nulla sul piano formale e visuale -anzi, aggiungendo un tocco di muzak all'occorrenza- risulta infine ancora più affascinante nella sua completa giocosità, vintage e senza tempo;

vorrei quasi dire che un film simile meriterebbe un remake, ma viste come stanno le cose mi chiedo perché mai dovrebbe meritarsene uno, in fondo non ha fatto nulla di male... Anzi.

E' un vero piccolo gioiello più o meno ignoto da noi (la pagina di Wikipedia Italia è sintomatica) che posso trasferire su chiavetta per gli amici anglofoni, ma di questi ne ho uno soltanto; al lettore consiglio uno streaming, o un torrent, da che il flusso multimediale è ancora fortunatamente accessibile anche all'utenza terzomondista del Belpaese;

Premio Oscar 1968 per il Miglior Sorrisetto Nazista

il film fu naturalmente un fiasco totale alla sua prima uscita, tanto che l'autore del romanzo e sceneggiatore John Fowles si disse "estremamente contrariato", mentre Michael Caine lo giudicò tra i peggiori da lui interpretati assieme a Swarm (Lo sciame che uccide!) e Ashanti; ancora, Wikipedia conferma il trivia di IMDB a proposito di Woody Allen che, alla domanda cosa avrebbe fatto potendo cambiare qualcosa nella sua vita rispose che avrebbe fatto tutto esattamente allo stesso modo, tranne vedere The Magus.
Ma Woody, si sa, è un bergmaniano fallito. 

Non è altrettanto positivo il mio giudizio per

Robocop di J. Padilha (2014)

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 che alla fine si risolve nel commento genuinamente deluso ad un trailer, che ho letto da qualche parte: "Era meglio l'originale". C'è altro da dire?

Tutte le implicazioni etiche sulla proprietà dell'essere umano, come di una macchina autosufficiente, e che nel film di Veroheven molto paesi-bassamente si risolveva in una ennesima crisi di pessimismo americanistico anni '80, qui sembrano tendere alla propaganda pro-drone, dove l'insistenza tele-visiva sul tema della "sicurezza globale" --che ci rimanda al Veroheven "satirico" di Starship Troopers-- riflette fin troppo nitidamente la situazione di allarmismo para-militare vissuta dall'utenza (balistica, soprattutto) statunitense, in un mondo in cui si utilizzano davvero delle macchine telecomandate per uccidere, e dove tutti vengono sempre ripresi da qualcuno ad ogni angolo di strada; 

quello mi ricorda qualcuno... o qualcosa...

il discorso uomo-macchina, della "realtà fisica" in cui si trova prigioniera l'anima dell'utente corporale, è sempre un discorso importante, e interessante oltre ogni dire, ma qui le implicazioni pro-droniche mi sono sembrate un po' troppo ovvie e preponderanti, così come la scelta di un regista "alieno" e quindi "neutrale", il Brasiliano Padilha (Tropa de Elite); del tutto guardabile, senza alcunché di notevole, e indefinitamente meno violento dell'originale, il che lo rende ancor più sospetto di propaganda tecnocratica;

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Tra le funzioni del nuovo modello troviamo la app "Predator vision"

manca soprattutto un vero protagonista --come lo fu Peter Weller, in una delle parti più sottovalutate dell'intero decennio-- e soprattutto un vero regista; invece CGI, fughe, inseguimenti e combattimenti dovrebbero bastare per tutti; alla fine, ci omaggiano anche dell'omaggio più atteso da grandi e piccini: 

robottino contro robottone!

l'effettismo speciale calcato e la ricercatezza visuale non possono compensare la mancanza di originalità del soggetto (è pur sempre un pallido remake) e tantomeno possono contrastare le smancerie industrial-militari di gusto patriottico, che potranno piacere anche a una metà degli Americani, e all'altra metà ispireranno pensieri di rivolta; io rimango a metà fra le parti, non essendo (orgogliosamente) Americano; e nemmeno Brasiliano;

con Gary Oldman

il dottore poco pazzo

Samuel L. Jackson

l'imbonitore televisivo

e Jackie Earle Haley

il badass;

e con Frank Sinatra

che canta!

Un film che è molto facile dimenticare, se non che abbiate salvati gli screenshots sul desktop per scriverci un post sul Vs. blog.

P.S.: "Gioco perverso" è il tit. della dist. It. del film The Magus

Silenzio

Che

Husbands di J. Cassavetes (1970) 

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sia un film particolare, lo si può dedurre dalle critiche contrastanti, dell'epoca e di oggi, tra chi lo definì puerile e deludente, e chi lo mise tra i 10 migliori dell'anno; il blogger di turno non ha dubbi soltanto sulla inevitabilità di questa accoglienza controversa, perché in effetti il film non dice nulla di nuovo in senso cinematografico (esisteva già il termine "cinéma vérité" con cui etichettarlo), e i tre protagonisti, middleclass men il cui ruolo preponderante nella società è quello espresso nel titolo, impersonati con estremo verismo, non fanno altro che gigioneggiare per due ore di fila, perlopiù in modo ebbro, erratico

con la MdP puntata addosso, e i loro dialoghi improvvisati non sempre filano via lisci;

in  questo senso la definizione di "big budget home movie" rende bene l'idea, ma stranamente la cosa non risulta affatto spiacevole;

Husbands sarebbe accolto con il medesimo sconcerto e le stesse disparità di giudizio oggi, se mai esistessero ancora tre attori in grado di sostenere simili ruoli, e un autore "sopra le righe" (e tra le righe) come Cassavetes; è questo che lo rende ancora estremamente attuale, quando i tre protagonisti di questa piccola odissea extra-coniugale sono tutti scomparsi; 

non credo si possa dare un giudizio più positivo di "moderno" per un film tanto ovviamente vecchio come questo;

il film è essenzialmente un inno alla vita, una jazz session improvvisata a partire dal canto funebre per la scomparsa del quarto amico, che porta poi i sopravvissuti allo sbando tra due continenti; 

oggi anche loro sono tre dei mille fantasmi del cinema, e per il blogger cinefilo non è possibile guardare un film simile senza tener conto dell'aspetto più umano -del comune mortale- che accidentalmente è anche il punto di partenza della trama;

l'episodio di Falk con la Cinese è forse il più interessante

E' anche impossibile per me guardare questo, o qualsiasi altro film del millennio scorso, senza considerarlo innanzitutto un documento storico, ancor prima che artistico, in cui attraverso la messinscena di una qualsiasi narrazione particolare si esprime lo zeitgeist, lo "spirito" di un'epoca; 

la lezione di Husbands, come di migliaia di altri films del millennio passato (ma anche del nuovo) è che l'alcool e le sigarette, di cui  Hollywood fu il più grande, subdolo, spudorato e impareggiabile mezzo di propaganda, non fanno bene a nessuno oggi come non fecero bene a John, Peter e Ben, allora;  

se non altro, come analisi della "cultura dell'alcool" (dove "tabacco e venere" non migliorano certo le cose) Husbands è un documento sempre valido, la morale e il "messaggio" del film sono relativi a questo suo aspetto socio-patologico, di cui Cassavetes fu un rappresentante di spicco;

un altro insegnamento per il blogger anglofilo viene dalle critiche di Rottentomatoes, e in part. da quella in cui si parla di braggadocio (dal nome di un personaggio di Edmund Spenser), un termine per me nuovo che sta per vanagloria, boria, eccessivo e futile auto-compiacimento; questo aspetto predominante nell'opera, opposto a quello storico, patologico, umanistico, mortal-sentimentale, che riguarda i tre famosi scomparsi, segna il culmine dell'ambiguità di questa visione. 

Cassavetes morì di cirrosi epatica nel 1989, a 59 anni, proprio mentre stava scrivendo un romanzo su Husbands; ricordiamo tutti il tragico declino di Falk , e le fotografie dei paparazzi del 2008 in cui era evidente la sua condizione disperata, le cause delle morte avvenuta nel 2009 furono "arresto cardiorespiratorio" (la causa di ogni morte!) dovuto a polmonite e morbo di Alzheimer; Ben Gazzarra, già operato di cancro alla gola, è scomparso nel 2012 per un cancro al pancreas. 

Dopo quello di One of our Airplane is Missing (V.), questo è un altro raro caso di film non-musicale.
In memoria dei caduti, riascoltiamo ancora una volta il Silenzio.


ADDENDUM: questo Dick Cavett's Show che ospita il trio Cassavetes/Falk/Gazzarra è un ottimo aperitivo per chi si appresta alla visione del film, o un interessante digestivo per chi l'ha visto; in ogni caso, alcolico; da notare almeno tre cose: la toilette di Ben Gazzarra -- le tonalità cromatiche dello studio TV -- e il fatto che i tre continuino a fumare sigari e/o sigarette anche durante lo show. L'incontenibilità "animalesca" dei tre porta il compassato host all'inevitabile paragone con i Three Stooges; chi ha visto il video può rispondere alla domanda: quante volte cade Cassavetes durante lo show?
Ma il breve discorsetto del regista sulla realtà personale (dal lat. persona, maschera teatrale) dell'uomo rappresentato dal marito, si può considerare tanto significativo quanto l'intera opera: ovviamente il video è in lingua originale (broccolinese=)

The Morton Connection

Per il mio lettore rimasto con il fiato sospeso, leggendo dell'enigmatico episodio che precede il ritrovamento del cadavere di Joe Morton as Solo in Trouble in Mind (V.), in 

di G. Carson (2010)

è lo stesso Morton 

a rivelare l'arcano; ecco la traduzione della sua intervista:

"Avevo vista una performance di Bobby McFerrin  -per quelli che non lo sanno BMF è un cantante jazz - egli usa il proprio corpo per produrre ogni genere di suono, assieme ad una meravigliosa voce, per creare la melodia; ma una delle cose che aveva fatto erano "cinque modi differenti di respirare"; uno è come quando stai facendo l'amore, uno come quando stai scappando, uno come quando non hai più fiato... e quando lo vidi capii che quello era il modo in cui volevo morire nel film; così lo usai, parlai ad Alan [Rudolph, ndt] del concerto che avevo visto, e lo mettemmo nel film; tutta quella cosa con le campanelle che suono, vedendo il futuro ...senza vedere alcun futuro, venne da lì, e quando lo dissi ad Alan lui disse "Sì, facciamolo, mettiamolo nel film!"

L'attore prosegue:

"Il respiro è quello che lo porta infine a quell'enorme urlo che lascia uscire. E poi c'è la scena seguente con lui che è stato annegato nella sua auto. Quel respiro era la perdita del suo respiro... Quella era la connessione."

E' verosimile, a parer mio, che questo doc su Trouble in Mind sia stato girato appositamente per permettere all' ideatore di questa sequenza di spiegarla direttamente al pubblico... 

Il DoP esordienteToyomichi Kurita al centro, con Carradine e Rudolph in primo piano sulla destra, sul set del film

In quanto spettatore accanito di film e "cinema geek" devo ammettere di avere apprezzata la scena per l'ovvio rimando a Terminator 2, ma da ieri sera era già stata archiviata mnemonicamente (e digitalmente, nel post) senza nemmeno provare a dargli un senso, oltre quello di una sequenza del tutto ambigua in un film piuttosto ambiguo;

Il regista all'epoca delle riprese

il documentario che ho ricordato di avere (trovato) scaricato assieme con il film ha questo pregevole difetto, di rivelarci la verità sulla incomprensibile performance jazz-respiratoria del suo personaggio, che altrimenti avremmo ricordato tutti come la scena in cui Joe Morton (oggi più noto al pubblico televisivo per i serial Eureka e Law and Order) "respira come in Terminator 2" ... 

Questo enigma, d'altro canto, ci avrebbe lasciati in quel regno idilliaco di sogni e chimere che chiamano "ignoranza"; e l'ignoranza, si sa, è Buddha...

l'Alzheimer sembra incombere sul futuro di Chris

Qui ascoltiamo i protagonisti parlare della produzione, apparentemente tutta rose e fiori, a parte un budget ridotto all'osso e un accidentale cazzotto che fermò le riprese per qualche tempo; sembra che tutti conservino un piacevole ricordo di quella esperienza; per quanto mi riguarda, il film di Rudolph si meritava a stento un post nel mio blog, ma non sicuramente due;  né, tanto meno, un "making of postumo" 25 anni dopo, se non che quel documento non rivelasse proprio il significato della sequenza ambigua con Joe Morton e il suo respiro pazzo; questo giustifica il making-of postumo, e il mio post su di esso;
adesso finalmente sappiamo perché Joe Morton è bravo ad ansimare, lo ha imparato da Bobby McFerrin!
Lo sapevate che il padre di Morton era ufficiale dell' intelligence dell'esercito USA, mente il padre di Kristofferson era ufficiale dello USAAC (e poi dell'Air Force)? Coincidenze straordinariamente comuni, nel mondo di Hollywood...

A proposito di guerrafondai, dagli autori di alcuni tra i più grandi film mai prodotti, i gloriosi Arcieri (Archers) Anglosassoni viene questo

One of Our Aircraft is Missing di M. Powell, E. Pressburger (1942)
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che è interamente visibile su Archive Org., e ora anche nel mio blog:

Problemi risolti

Canzonette, sintetizzatori, l'immancabile sax e fiati in sordina si susseguono e si sovrappongono nella colonna sonora di

Trouble in mind di A. Rudolph (1985)

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dove è fonte di riflessioni profonde la frase di Kristofferson che dice:
"When you get older you think about dying; and not dying in the wrong place in the wrong time";

(Ovvero: "Diventando vecchio pensi a morire; e a non morire nel posto sbagliato nel momento sbagliato")
(cosa che ritengo comunque alquanto improbabile)

ma per un poliziotto claudicante (lame) che sta per imbarcarsi in una avventura familiare con la sua amichetta bionda e a dispetto del fidanzato violento di quest'ultima, e madre del suo disgraziato erede

(Keith Carradine e Lori Singer)

questa frase ha sicuramente un significato molto cinematografico, mentre per il blogger, che ha la barba + bianca di Chris -malgrado la sua tenera età- il significato è più o meno l'opposto (anche molto poco cinematografico, tra l'altro, per qualcuno che ha scritto tanto di e sul cinema in vita sua);

per il resto, i dialoghi sono piuttosto ovvi, per non dire sciatti, ma non tanto quanto la recitazione di tutto il cast; c'è sicuramente un motivo per cui dei bei ragazzi Americani come Carradine, Kristofferson e la Singer non sono mai diventati delle grandi star del cinema, malgrado le infinte opportunità della loro carriera e i grandi registi con cui hanno lavorato nel corso dei decenni; questo film offre qualche valido indizio sul caso; particolarmente infame è la donzella di turno, monoespressiva, ma il suo cognome non lascia dubbi sul suo talento nascosto, comune a molti rappresentati dello star system da sempre; 

"patetico" è un gentile eufemismo per la sua prova d'attrice;

Anche la battuta del cattivo Divine, qui per la prima volta non-travestito, è degna di nota: "Women are despicable... Especially mothers!"  (Trad. "Le donne sono spregevoli... Specialmente le madri!")

E ancora: "I prefer priests... they at least are REAL hypocrits" ("Io preferisco i preti... Loro almeno sono VERI ipocriti" -- lo sappiamo, i gangsters sono dilettanti rispetto al "Sistema"..)

L'autore Alan Rudolph secondo Wikipedia era un protégé di Altman, e già il francesismo dovrebbe bastare al lettore svelto; assieme all'altro protégé di Altman (e noto figlio-di-papà) Carradine come protagonista, aveva ereditata la coralità della messa in scena e il gusto per il retrò che troviamo nello spirito noir del film nella sua colonna sonora e nella scelta di locations antiquate di Seattle -nel ruolo della immaginaria Rain City; il risultato è ad anni-luce da un qualsiasi Altman, e finanche malinconico nel richiamare il buon Altman degli anni '70, ma quella che si potrebbe definire abbastanza facilmente (e paradossalmente) "originalità altmaniana" è viva e presente nell'insieme, associata all'impulso auto-distruttivo dell'epoca, che vediamo rappresentata nel ciuffo new-rockabilly del mariolo incipriato

colla punta rossa

ovvero il barocco resuscitato di prepotenza, fuori luogo e tempo e misura;
ma, soprattutto colorato;

In un incubo filmico sorto nel pieno di quel decennio infame non possono mancare le pennellate surrealiste, quasi-allucinatorie, come il tizio che sembra spruzzare DDT in faccia all'avventore, "nativo civilizzato" 

e il clown

ma la mia preferita è il plastico del luogo del delitto

e questo fotogramma, ad alto contenuto artistico:

Probabilmente però la cosa più originale (e meno altmaniana) del film è Joe Morton, complice di Carradine in una sgangherata società a delinquere, e che tra l'altro ha delle bestie intere addosso

(colore, è la parola d'ordine)

Qui, in una sequenza molto ambigua, Morton si produce in una "pazziata" in stile Orientale, apparentememte del tutto inutile, in cui la sua respirazione orgasmica a bocca aperta, in crescendo, non può che rimandare al suo ruolo successivo in Terminator 2 (1991)

dove il suo sacrificio avveniva proprio al termine di una simile catastrofe respiratoria.

Ci chiediamo tutti cosa possa significare, ma probabilmente lo fa anche lui...

Che dire, è proprio bravo ad ansimare.